시네 클래스 & 마스터 클래스: 관객과의 대화로 본 창작자들의 고민

 

 

영화제의 꽃은 단순히 작품 상영만은 아니죠. 감독이나 연출자와 관객이 직접 대화할 수 있는 마스터 클래스나 시네 클래스는 영화 창작의 내밀한 이야기를 들려주는 장입니다. BIFF 2025에서도 여러 거장과 신진 감독들이 이 자리에 나섰고, 그 자리에서 드러난 창작 규모, 고민, 기술적 선택, 이야기 구성 전략 등이 매우 인상 깊었습니다. 오늘은 그 대화 속에서 배우고 느낀 인사이트를 공유해드릴게요.

---

📌 BIFF 2025 마스터 클래스 & 시네 클래스 주요 프로그램

먼저 어떤 프로그램이 있었는지를 간단히 짚고 넘어가죠:

• 마스터 클래스
  – 자파르 파나히 감독의 “스토리텔링의 힘” 세션
  – 마이클 만 감독의 <히트> 되돌아보기 클래스 
  – 세르게이 로즈니차 감독의 증언과 기억 방식 강연 
  – 마르코 벨로키오 감독 마스터 클래스 ‘주먹의 영화’ 
  – 줄리엣 비노쉬의 “움직이는 감정” 클래스 
• 시네 클래스
  – <그 여름은 다시 오지 않으리>의 알렉산드레 코베리제 감독 + 음악가 형제 이야기
  – 관객 친화적 프로그램으로 신설된 시네 클래스는 중견/신진 감독의 작업실 이야기를 나누는 자리로 자리 잡고 있다는 평가가 나왔어요 

이 프로그램들이 어떤 고민을 보여주었고, 관객과의 대화에서 어떤 통찰이 드러났는지 살펴보죠.

---

🔍 창작자들이 던진 핵심 고민과 통찰

아래는 마스터/시네 클래스에서 드러난 주요 주제들과, 그 속에 감춰진 창작자의 고민 및 창작 전략입니다.

주제주요 대사 / 사례해석 및 통찰

인물 중심 접근 vs 이야기의 궤도	마이클 만은 “닐 맥컬리가 뭘 원하는가를 이해하기 위해, 내가 닐 맥컬리가 되어 본다”라고 말하며 인물의 심리와 배경을 최대한 내면화한다고 이야기	인물의 욕망과 선택이 이야기의 축이 된다. 감독은 인물을 충분히 이해한 뒤 사건을 배치하는 구조 설계자 역할을 한다는 메시지
현실 속으로 뛰어드는 경험	마이클 만은 범죄나 사회적 주제를 다룰 때 현장 체험, 전문가 인터뷰, 장소 조사 등 현실적 경험을 반드시 거친다고 밝혔어요	허구가 설득력을 얻기 위해선 현실 감각이 필요하다. 리얼리즘의 밑바탕은 ‘현장 감도’다
형식과 메시지의 균형	자파르 파나히 감독은 검열과 제한 속에서도 “영화란 무엇인가”라는 질문을 영화 안에 녹이려 한다는 발언이 마스터 클래스 프로그램 안내에 언급됨	표현의 제약이 있을수록 메시지를 감추지 않고, 형식 안에 질문을 심는 방식이 창작자의 전략이 된다
작은 도구로 큰 감동 주기	코베리제 감독은 핸드폰 카메라로 찍은 영상과 음악적 요소를 영화 속에 넣는 이야기를 시네 클래스 자리에서 나눴습니다.	거창한 장비 없이도 창의적 선택으로 영화적 감각을 살릴 수 있다. 형식의 ‘제한’은 오히려 창작의 자극제가 된다
기억, 증언, 정체성	세르게이 로즈니차 감독은 ‘증언의 방식’을 주제로 기억과 기록, 관객의 시선이 어떻게 만나는지 이야기하리라 예고됨	역사적 상처나 사건을 다룰 때 감독은 ‘기억’의 중재자로 역할을 해야 한다. 객관의 이름으로 감정을 누르기보다는 관객과의 정서적 연결을 고려해야 한다
정체성과 감정의 움직임	줄리엣 비노쉬는 “움직이는 감정”이라는 주제로 관객과 만났고, 그녀의 연출작 ‘인-아이 인 모션’도 무대 위에 걸렸습니다	그녀가 강조한 것은 감정의 흐름, 인물 간의 미묘한 관계 변화, 그리고 감정이 움직이는 순간 포착이다. 겉으로 보이는 이벤트보다는 감정 내부가 중요하다는 시선

---

💡 관객과의 대화가 주는 가치

마스터 클래스와 시네 클래스가 단순 강연이 아닌 관객 대화 중심 행사라는 점은 중요합니다. 왜냐하면:

1. 창작자와 직접 접촉
   관객은 감독의 의도, 무대 뒤 이야기, 제작 난관 등을 직접 들을 수 있고, 질문을 던질 수 있어요. 이는 영화 감상 이후의 소화 과정을 확장시켜 줍니다.
2. 공감의 확장
   “이 감독도 이런 고민을 했구나”라는 공감이 생기면, 관객은 영화 속 미묘한 선택이나 디테일을 더 세심히 보게 됩니다.
3. 비판적 수용력 강화
   감독의 설명이 곧 진리이진 않지만, 창작 과정을 듣는 것은 관객이 작품을 단지 ‘소비’하는 것을 넘어 ‘해석하는 독자’로 거듭나게 해줍니다.
4. 상호영감의 순간
   어떤 관객의 질문이 감독에게 새로운 시선을 던져줄 수도 있고, 그 결과 미래 작품에 영향을 줄 가능성도 있어요. 축제 현장은 단방향 강연이 아니라 상호작용의 장입니다.

---

📈 제안: 창작자와 관객이 함께 만드는 영화 생태계

이 대화들을 바탕으로, 앞으로 영화제나 창작자/관객 간의 교류가 더 깊어지고 의미 있게 확장되려면 어떤 변화가 필요할까요?

• 소규모 워크숍 확대
  단발성 클래스보다는 여러 날에 걸쳐 실습이나 창작 워크숍을 여는 방식이 감독과 관객 모두에게 더욱 유익합니다.
• 다중 플랫폼 대화
  현장 클래스를 넘어 온라인 스트리밍, 녹화 공개, Q&A 영상 아카이브 마련 등이 필요합니다.
• 주제 맞춤 클래스 프로그램
  젠더, 인권, 디지털 영화 기술, 로컬 영화 제작 등 다양한 주제로 클래스를 세분화하면 창작자 다양성이 더 잘 반영될 수 있습니다.
• 후속 콘텐츠 연결
  클래스에서 나온 고민이나 아이디어를 기반으로 후속 영상, 팟캐스트, 작가 인터뷰 등을 제작해 축제가 끝난 뒤에도 담론이 이어지게 만드는 게 중요합니다.

---

 

BIFF 2025의 마스터 클래스와 시네 클래스는 그저 명성 높은 감독을 만나는 무대가 아니었습니다.
창작자들이 감춰온 고민, 표현 욕망, 기술 선택의 무게를 관객 앞에 드러내는 대화의 장이었습니다.
그 대화 속에는 “영화란 무엇인가?”라는 질문, “어떻게 이야기를 들려줄 것인가?”라는 긴장, “내면의 감정은 어떻게 움직이는가?”라는 성찰이 녹아 있었죠.

관객은 앞으로 단순한 피상적 감흥을 넘어 감독의 세계관과 창작 여정을 더 적극적으로 받아들이고 해석하는 쪽으로 나아갈 겁니다.
창작자와 관객의 경계가 좁아지는 그 지점에서, 영화는 더 깊고 풍성한 힘을 갖게 될 것이라고 믿습니다.